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艺术家一宋玉明新作参展艺术深圳

2017-09-11 15:08:27 来源: 王明明竹空间

摘要: VIP预展:2017年9月15日15:00- 21:00(周五) 展览时间:2017年9月16日-18日 10:00-19:00 (周六至周一) 展览地点:深圳会展中心6号馆 展位:C08-C09 艺术家简介: 宋玉明,1954年生于上海安亭,祖籍江苏太仓。 现为中国美术家协会会员、广东省美术…

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  VIP预展:201791515:00-

  21:00(周五)

  展览时间:2017916日-18

  10:00-19:00

  (周六至周一)

  展览地点:深圳会展中心6号馆

  展        位:C08-C09

  

  艺术家简介:

  宋玉明,1954年生于上海安亭,祖籍江苏太仓。

  现为中国美术家协会会员、广东省美术家协会理事、深圳市美术家协会副主席、深圳市政协委员、国家一级美术师、深圳美术馆名誉馆长、深圳市政协画院副院长、深圳大学客座教授、深圳职业技术学院设计艺术学院客座教授、江苏省南京画院艺术顾问。

我的城市山水画观

文/宋玉明

  冰岛雷克雅未克 / Iceland Reykjavik

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017 年作

  尺寸:55x40cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  “城市山水画”的概念虽然是到九十年代才被提出来,其对人类所生活的城市描绘作为主要表现对象的核心内容,其实自古就有。最直接能联想到的就是宋代张择端的《清明上河图》。汴梁不正是当时最典型的“城市”,此作不正是“城市山水画”最典型的代表作吗?不难看出,“城市山水画”的渊源其实可以上溯久远。宋代就有宫室、风俗题材的绘画作品,“界画”也主要就是对亭台楼阁的描绘。到近代,新中国时期很多工业化的题材和当时“城市”的题材也都进入了中国传统的绘画之中,以傅抱石为首的“新金陵画派”就是其中重要的代表。20世纪中国美术中对写生的强调和重视开启了新中国绘画最重要的变革。不难看出,以“城市”为创作题材的绘画自古有之,只是“城市”的形态在不断地变化,表现的笔墨技法在不断地变化,也正是印证了石涛所提倡的“笔墨当随时代”。

  春天故事 / The story of spring

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017年作

  尺寸:55x40cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  我的“城市山水画”创作有两个阶段,分别体现了我对“城市山水画”创作和理论认识理解的两个层面。20世纪90年代初期到2000年是我对“城市山水画”探索的第一个阶段。在这近十年的摸索中,我对“城市山水画”的认识主要还停留在如何将现代化的城市与传统的绘画语言结合上。现代化的城市进程是我们这辈人所经历的最为惊心动魄的时期。我1987年来到中国改革开放的最前沿城市——深圳。与之前所在的内地城市相比,深圳的开放程度远远超出我的想象,特别是在思想上的开放。深圳“一日千里”的建设速度让这个年轻的城市每天都有新的变化,有新的事物出现,一片生机盎然的景象。生活在这样的城市中,每个人心中都会涌现一股热浪,想在这个改革创新的浪潮中贡献自己的一份力量。作为一名艺术工作者,每次提笔创作都很想记录下这激荡人心的时刻。但苦于无法表达,直到深圳画院组织全院画家开展“深圳画家画深圳”活动,我第一次开始摸索如何用传统的绘画形式来表现深圳这样一个全新的城市。在此次活动中我创作了《深圳小梅沙夏日》、《深圳银湖》、《商城》和《文锦秋色》四幅作品,其中《深圳小梅沙夏日》得到了一致认可,成为我“城市山水画”早期作品中的代表作。在此次创作活动中,深圳画院来自全国各地的画家大多还是沿用各自以前的表现手法,只是将表现的内容换成了深圳的建筑、花草以及人物。现在看来大多只有“骨头”没有“肉”,但在当时却是一次创新的开始,给日后的创作开启了一条新的道路。此时我的作品也仅仅是用传统的笔墨加上现代化的建筑而已。如何将这两种元素和谐地统一起来,这在当时是我主要思考的问题。

  九龙布袋澳鱼村 / Kowloon Budaiao fishing village

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017年作

  尺寸:55x40cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  早期的作品多以再现城市景观为主,用细腻的笔法将建筑物重现。《深圳新貌》算是当时工程最为浩大的一幅作品。我选取了传统中国画“俯视”的角度,从空中眺望深圳的全貌。近处是梧桐山和热带芭蕉树,中间是深圳的各大重要的建筑群,深南大道等标志性建筑物均清晰可见,远处是一片远海、远山和云彩。此三段式构图也是传统中国画的构图方式,只是将古代的建筑物换成了现代化城市的建筑物而已。虽然从表达手法上看仍是延续了新中国时期一些老一辈艺术家们的方法,但在当时这么大规模地“再现”城市全貌的作品还是十分稀少的。为了准确地表现这幅作品,我几乎将当时深圳的每一个标志性的建筑进行了细致地实地写生。这一时期,我创作了许多这样的以建筑群为题材的作品。

  为什么选择这样的题材?在今天很多研讨会上,许多专家学者都提出了对这个题材选择的质疑,认为这只是表面化地对“城市”的理解,过于简单而没有深度。但其实对于我这个年代的很多人而言,高楼大厦在很长一段时间曾经代表着我们对生活的向往与希望,这是对现代化和都市化最直接、也是最为强烈的情感表达方式。在深圳,这些高楼大厦还有着另外一重含义,那就是在这些楼群中凝聚起来的“深圳速度”,这也是深圳当时最重要的文化象征。通过对这些不同城市不同建筑群的描绘,让我深刻体会到了中国现代化进程所带来的巨大变化,并以此来表达这种激动和喜悦之情。

  挪威松恩峡湾 / Norway Sognefjord

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017年作

  尺寸:55x40cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  从1997年开始,除了深圳,香港、澳门以及国外的一些城市都成为我笔下的创作对象。此时我在表现手法上也开始了新的尝试:不仅仅用细笔写“实”的手法来描绘城市的风貌,同时也穿插对“虚”的表达,用“点墨”和“泼墨”等手法让城市建筑若隐若现,既有建筑的轮廓,也有给人以想象的空间。《雨中深南大道》是此时最为典型的代表作,现已被深圳美术馆收藏。

  蛇口海上世界 / Shekou Sea World

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017 年作

  尺寸:55x40cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  也许是在“城市”里住久了,此时的我已不满足仅仅表现城市的建筑,而开始关注如何从更深层次去表达城市的内涵和文化,但当时还处于萌芽的朦胧状态。真正开始有意识地研究和实践,是从2000年下半年开始。2000年11月应突尼斯共和国文化部邀请,我被中国文化部委派赴突尼斯文化考察,并举办了“宋玉明中国画展”。这是我重要的一次出访,也是我“城市山水画”探索进入第二阶段的一次转折点。

  这次出访让我有了一个全新的视野,在表现方法上也大胆突破了传统山水画的框架,更重要的是给了我对“城市山水画”更进一步的思考。中国画最讲究的就是神韵,当时的“城市山水画”又该如何体现这种神韵呢?如何从对城市建筑的描绘反映出该城市的文化内涵,引发观者的共鸣,在给观众以欣赏城市建筑之美的同时通过画面的气息感受到城市的精神与文化?这是在第一阶段的基础上提出来的新课题。随着社会的高速发展,艺术与社会的关系成为人们讨论的焦点。不管两者的关系如何,不可否认的是,艺术已经不只是对美的追求,艺术也已经不仅仅是视觉享受,它更多的是要进入人的内心,是与社会和心理紧密相连的。我认为,这就是当下艺术作品中的“神韵”。只有作品具备了这种“神韵”的体现,才能真正打动人。这对当下的艺术家而言,也是判断作品的艺术价值很重要的一点。从“城市山水画”的角度来看,如何才能体现出这种“神韵”呢?我认为,最重要的就是要在作品中“还原”该城市的精神核心并体现出自己在其中最深刻的体验。

  深圳东都华侨城 / Shenzhen Dongdu overseas Chinese town

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017年作

  尺寸:55x40cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  以前在创作中,我总是以自己的角度来观看世界,观看所要描绘的城市,但这很容易进入一个狭隘的小圈子,以至于创作出来的作品容易雷同。不管妳描绘的是国内的城市还是国外的城市,虽然建筑物变了,但是画面中体现出来的意境没变,一看就是“中国式”的城市山水,但总觉得与真实的城市不对味儿。这也是国内很多从事“城市山水画”研究和创作的同行们的困扰之一。此次出访突尼斯,我完全是从旁观者的角度去看待这个与中国文化完全不同的地方,尽可能的把自己融入当地的文化与生活。从突尼斯回来,我创作了一批风格与之前不同的作品。在进行创作的时候,我有意识地尽可能的以第三者的角度去“还原”当时的风土人情。因为只有这样,才会真正表现出异国风情的神韵,表现出当时原来的文化与内涵。

  在“还原”的过程中,不仅思想上改变了,在创作手法上也有了新的尝试与突破。最明显的一点就是在色彩方面的大胆突破。虽然在中国传统山水画中很早就有“青绿山水”、“金碧山水”,但从总体上来看仍是以水墨为主,色彩也不过是石青、石绿、赭石、土黄等等,几乎没有人用过鲜艳的颜色。但凡有过国外游历经验的人都知道,异国风情最典型的就是色彩的艳丽和多样化。看看西方的油画就知道。他们对色彩的运用远远超过了我们的传统山水画。我并不认为中国的“水墨”无法表达色彩的多样性,正如画论中早有“墨分五彩”之说,但在“还原”城市的过程中,传统的色彩表现形式无疑是一个枷锁。此时我做出了一个大胆的尝试,把艳丽的色彩直接运用在画面中。这批作品,色彩丰富且对比强烈,笔法大胆、多样,与传统的中国画有了截然不同的面貌。这一次大胆的尝试得到了出人意料的效果,很多人用既传统又当代来形容,得到同行们的肯定。在实践检验成功之后,我回过头来思考,为什么色彩的改变会全然改变作品的气息和神韵呢?这正是因为我们在以往的绘画创作中,长期以来忽视了对色彩的研究和思考所致。色彩与人类的心理反应是密切联系的。正如红色给人带来激情,蓝色却会引起遐想,不同的色彩会引起不同的心理感知,而这种心理感知就正是对一个城市内在文化的最本质的体现。如今的城市,五颜六色的建筑层出不穷,城市人的生活更是丰富多姿,五彩斑斓。这样的现代化城市又怎能缺乏了对色彩的表现呢?因此,如何把色彩恰如其分地运用在画面中,对“城市山水画”而言是非常重要的。我看到很多用水墨画城市山水的,虽然“中国味”很浓,但总觉得有种“冷”的感觉,不但很难产生强烈的视觉冲击,还容易压抑情绪,与生活中活生生的、生机盎然的城市有那么点距离,不那么真实,甚至有些容易让人丧失对这个城市的热情。

  另一个较大的改变是我开始用泼彩、泼墨的方式来减少传统中国山水画中“写”的成分,用更加放松和自由的笔墨去表达现代城市更深层的意味。这种朦胧的视觉效果正是我想要表达的城市的“浮华感”,我更希望观者能看穿这层“浮华”去感受城市深层和本质的东西,而这才是我作品想要表达的根本。我认为,当代的艺术家不仅仅是“美”的传播者,同时也要向大众传递当下生活中最本质的文化内涵,引发他们的共鸣和思考。

  香港 / Hong Kong

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017年作

  尺寸:40x55cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  从古到今,“城市”仍然在不断演变,正如现在很多人都开始称之为“都市”一样,不知未来还会出现什么新的名词。但我相信,即使“城市”再交替变更,“城市山水画”永远会有其存在和发展的空间,关键就在于如何从根本上去融入当下的城市,理解城市的文化精神,并找到最恰当的表达语言和方式。

  香港维多利亚港 / Hong Kong Victoria Harbour

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017 年作

  尺寸:40x55cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  

水墨表现的新思考读宋玉明的山水画

文 / 王明明

  我和玉明都是建国后出生的,虽然成长的经历有所不同,但毕竟同生活在新时代,所以我们早期的艺术观念也颇有一些相通之处。只是进入到九十年代以后,因玉明的生活与工作环境发生很大的变化,所关注事物的视角逐渐不一样了。但是,我们的追求却是一而贯之的,那就是寻求在现代语境下的中国画的传承与发展,这也是当下画家无法回避、必须面对的问题。

  雷克雅未克-托宁湖畔 / Reykjavik Tjornin

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017年作

  尺寸:40x55cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  山水画是中国画的最重要的画科,在传统中山水画都是以自然山川景观为主要描绘对象的,是中国人情思厚重的沈淀。寄情山水的文化意识,以山为德、水为性的内在修为意识,咫尺天涯的神游意识,一直成为山水画演绎的中轴主线。它最能体现中国的人文精神,可以从中体味丰富的意境、格调与气韵,使我们打开精神联想的空间,甚至会给我们带来思想层面的启迪与升华。没有哪一个画种能像山水画这样,有如此大的精神承载。正是因为如此,纵观画史,我们会发现山水画的成就可谓是最高的,中国画的绝大多数表现技法及审美经验,基本上都是在山水画的创作实践中被总结出来的。到了当代,随着科技及信息的飞速发展,山水画创作也呈现了一种“开放”之势。但面对前人铸就的一座座山水画巨峰,要想有所建树,画家们必须要具有很高的智慧与能力。我们这一代人无疑又处在一个新的历史节点上了。

  我们必须清楚,无论在什么样的时代背景之下、无论受到什么样思潮的冲击,中国画的发展必须是在传统脉络之下的延续与传承,传统是中国画发展的原动力。有传统才有根基,在此基础上的开拓才有普遍意义,只有弄清楚了中国画的发展脉络,我们才会知道该向哪个方向去突破,才能明辨这种突破是否有意义。也就是说,当一个画家把握住了中国画传统精髓的时候,他才不会走弯路。

  传统可能是很多画家的一个难题,但对于玉明来说却根本不是什么问题。因为他有很好的家学渊源,其父宋文治先生对于传统表现出超乎常人的痴迷与尊重,在这方面给画坛留下了很多佳话与美谈。出身于这样的家庭之中,在玉明身上,传统是一种基因遗传,是一种耳濡目染,是一种潜移默化,甚至是一种生活状态。这一点很是让我羡慕的。更为可贵的是,宋文治先生身上还具有一种思变和创新精神,从先生的创作实践中,我们分明能清楚地听到时代脉搏跳动的强音。上述两种思想无疑都深深根植在玉明的骨子之中了,这对于他的创作起着决定性作用。

  深圳湾夜色 / Shenzhen Bay night

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017年作

  尺寸:40x55cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  作为一个当代画家,我们不能无视时代与文化的变革,就看是否能寻找到最为合适的创变路径。经过近两千发展,中国山水画早已成为一条源远流长的大河。而中国画的传承与发展从来不是死水一潭,时时都有新鲜的活液注入,在其内涵及形式上,一直都在不断充实和完善当中,比如其功用由最早的对人们生活状态与场景的记录,发展到为某些阶层服务,直到后来成为画家宣泄情绪的手段;形式经历了从工细到写意到表现的充实;技法也在不断丰富和演变;总有新的图式出现等等。正是具有了这样的“新陈代谢”机能,中国画的生命才得以延续到今天。中国画从来没有固步自封,它有着非常大的包容性,从不拒绝对其他艺术门类养分的吸收。反过来说,传统文化精神的观照面是开放性的。我们可以用传统作为一面镜子,来映射社会发展过程之中的种种冲突与矛盾;也可以立足于传统,以当代人的视角诉说对新时代真实印象。玉明走得就是第二条路。

  蛇口夕颜 / Shekou sunset

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  2017年作

  尺寸:60x50cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  玉明的创作主要分为重彩山水和都市水墨两大类,这两个题材是并行的。从他的创作中,我们能很明显地感觉到求变的主动。因为对传统的深刻认识,玉明把创作与自我心性的修炼紧紧地合于一体,不急于刻意寻求某种固定的程序与风格,忠于内心,随性而为,不贸然求新求奇。这样做虽然可能不会让自己立即在画坛产生很大影响,但却避免了过早“结壳”,有利于将自己的根基打得更深,路子修得更宽、更远。这可以说是传统画家创作的普遍规律。

  他的重彩山水由父亲宋文治的画风发展演变而来,画法上选择契合自己心性的古法学习,博众家之长,勾线、皴擦及图式上有宋人遗风,泼彩施色在参照传统的同时,又加入了现代的理念,特别是借鉴吸收了张大千的泼彩画法,但又将张大千的玄妙灵透融入了博大雄浑。他正不遗余力地进行着传统山水画现代呈现方式的探索。值得注意的是,玉明在这一过程之中并没有去刻意追求所谓传统、古意的某些符号,而是以现代人的视角观察、呈现自然山川的景致,并大胆加入了自己的一些主观感受,逐渐形成了自己独特的工整细腻、清新秀润而不失沈厚大气、富丽华美的画风。由此可以看出,玉明骨子里具有一种内秀、清朗、开拓型气质。

  突尼斯 / Tunisia

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  尺寸:59×48cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  20世纪八十年代末,玉明由南京来到中国改革开放的前沿城市——深圳,亲历着经济的迅猛发展以及城市建设的日新月异,面对这样的情景,玉明自然有了用画笔表现的冲动。但是,对传统下了很多功夫的他,当然更知道这样做也存在着巨大的风险。其一,大家都知道,在八十年代中期曾掀起了一股追求中国画“新潮”之风,这股风气对当代中国画创作产生了巨大影响,此时画都市题材难免会给外界以追随“时髦”之感;第二,城市景观在传统山水画中虽有出现,但其内涵深度却远远不及自然造化,也很难画出意境与格调,容易画成“风景画”;再次,传统的笔墨形式是否能驾驭得了对高楼大厦表现?过往的图式是否能被参考与借鉴?此类问题也同时摆在了他的面前。经过反复权衡与斗争,玉明还是毅然迈出了探索的脚步,开始了直接用水墨对都市景观描绘,使自己一直游离于传统与现代的边缘。

  香港小景 / Hongkong Scenery

  设色纸本镜心 / ink and colour on paper

  尺寸:49x59cm

  (艺术深圳,竹空间参展展品)

  我早就注意到了玉明在这方面的拓展,不过对于他的这种探索倒是一点也不担心。因为我清楚他在传统方面的素养,传统会成为他解决创作过程中遇到种种难题的一把钥匙。经过艰苦的努力,玉明在这方面取得了可喜的成绩。在他的都市水墨中,几乎保留了传统山水画的所有元素,没有被钢筋水泥外在的生硬死板所局限,用心体察生存着巨大人群的都市生动、灵性的一面,将自然山川的鲜活灵妙机巧地引入到都市水墨的创作之中,把高楼当做山水来表现,画感觉,画印象,泼、渍、勾、染等传统技法灵活运用,都市景观被他画得灵透奇幻,气象万千,我们从中甚至还能读出一种米氏云山的“墨戏”风味来,丝毫感觉不到现实的嘈杂与忙乱,这代表玉明具有超越常人心境。

  艺术创作有如此表现,得益于玉明含蓄、平实的个性,身处都市,面对灯红酒绿,他没有迷失自我,仍能内修于心,保持传统中国画家所具有的创作状态和心态。文化的滋养使他的作品没有流于表面,颇有底蕴,具有一定的思想高度和品味空间。他与很多“创新”类画家的不同之处,也正在于此。

  王明明,现为全国政协常委、中国美术家协会副主席、北京美术家协会主席、北京画院院长,享受国务院特殊津贴专家。2004年他被北京市委授予“首都建设做出突出贡献的统壹战线先进个人”荣誉称号。

(责任编辑:张彦红)

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