从印象派绘画以来，现代艺术的每一个时代都有自己独特的视觉感受：要么走向纯粹的形式，这是西方抽象画的道路，并走向极简主义和单色绘画的极限；要么与摄影技术对话，形成胶片感与高清，比如杜尚下楼梯的裸女以及培根的影像叠加挤压，直到里希特的超写实的新古典具象绘画；要么从自然的观察中学习光影变化的微妙性，这是后印象派开始的，但这个自然化的方向并没有深入展开，自然的深度还有待挖掘，虽然晚期莫奈和塞尚似乎已经已经有着挖掘，但自然本身的丰富性对于西方总是过于从技术的控制来理解。如果有着绘画的可能性，那应该是让自然的风景有着新的呈现形式，这也是中国绘画的未来。

    但现代性的中国油画面对自然与风景时，更多在写实与写生上下功夫，或者以写意笔法来画风景，或者过于传统山水画的图式了，却很少在视觉本身的表现上，在色彩本身上做出艰苦探索，把风景通过纯粹的色彩传达出来，如同塞尚所言，让色彩本身有着自然的元素性气氛与深度。但所幸现在有一些艺术家开始做出了努力，画家赵俊忠就是如此的自觉者之一。

    绘画不过是色彩与形式上的探索，赵俊忠之前的作品赋予冷艳风格的表现，还有着简约的诗意与梦想一样的色彩，在保留诗意冷艳感受的同时，他最近的风景走向了一种迷蒙的美感，让绘画更为彻底回到语言本体的探索上，回到色彩本身的感受力上，试图从视觉与内心的感受上，想象出一种诗意的朦胧风景，并非是写生，但有着图像的借用，比如一些风景照片，走向纯粹色彩的细微变化，让一种东方式的氤氲化生的美感，含蓄地生发出来。

    这些看似风景画的作品上，有着一种进入的深度，即有着引导我们视线进入的道路，但这仅仅是一种含蓄的引导，并不走向某种明确的位置，而是打开一种深度，一个远方，如同诗人写道的：远方除了遥远一无所有，远方乃是一种梦幻一般的召唤。这是一些处于虚化状态的景色，赵俊忠很好地把光与色融合起来，但又保持在一种虚薄的状态，景色处于暮色中的晚霞或晨曦微露的时刻，似乎一切都刚刚萌芽或者处于消失之际，赵俊忠很好地把握了这个时刻，即诗意的世界仅仅处于开始之前与消失之后的那个过渡时刻，画面上的事物就并没有明确的形状，处于朦胧状态，树木，山峦都被一层薄纱一般的雾霭笼罩着，有着一些稀薄的区分，但处于变换之中，纯粹靠色彩本身的细微色差来暗示出自然景色变化。如此单纯依靠色感来塑造风景，回到“景色”之为“色景”的内在恰切含义上！确实有着绘画本身的迷离气息，增加了绘画本身的难度，但也激发更大的审美纯粹性。

    在颜色上，赵俊忠还大胆使用红色与蓝色，一种带有朦胧诗意的冷感色调。虚薄化的红色，有着欲望但并非欲望的直接表达，而是某种诗意梦幻的投射，这种肉色感的风景，把欲望收敛了，而突出诗意的朦胧，但还带有一种遥远感，一种内在的隐秘的神圣庄严，透映出艺术家内在的渴望，在这个颓败时代，有着对美好事物的想往。赵俊忠偏爱冷艳的色调，似乎是某种绝望情绪的自然流露，有着退避，但又渴望梦想的抚摸，画面上的光感似乎是从大地、从树根处生长出来的，通体薄透，美是脆弱而坚韧的，自然只能通过面纱来爱抚，赵俊忠深深理解了生命的真相。

    也许我们甚至可以说，画面上薄纱一般的朦胧，甚至是艺术家在反思我们这个时代对自然的破坏，似乎雾霾无处不在，但这不仅仅是自然环境上的，还有内心的虚弱与自我遮蔽的反映。这就需要一些内在的光芒来穿透这些雾霭，因而画面上时日透显出一种坚韧执着的冷光。自然隐含着对人类内心的拯救密码，这需要艺术家以自己内在的心力去接近它，或者冷峻，或者沉寂，赵俊忠的作品上有着他自己对这个世界的思考，他期待的应该是一个含蓄而庄严的灵性世界，肃穆的气息主宰着无常的变化，这是一种沉默中孕育巨大内在能量的分际世界，赵俊忠很好地画出了这种氤氲化生的隐秘气息，一个处于无常变化但又通过微薄光芒来区分的时刻。

    因而当赵俊忠画那些静物时，他的视觉也异常独特，那些静物似乎如同风景一般，有着一种悠远感，似乎被时光打上了一层面纱，近处的事物突然远离我们，被悬置在一个虚空之中，恍若与我们隔世一般，这反而激发新的诗意，花朵似乎被一双无形的手取走了魂魄，但被艺术家重新夺取回来。这些花朵好像被隐秘火焰燃烧过，仅仅留下的是余烬，但却还那么灼热，那么幽谧地在盛开。

    从这些新作上，可以看出赵俊忠在很严肃地思考绘画本体的问题。在当今，真正思考绘画语言，在色彩与形状上，都给出自己独特理解的画家其实并不多，赵俊忠的作品，一旦更为深入结合中国山水画的体悟方式与西方风景画的视觉深度，形成新的张力，将更为具有广阔的前景。