展览前言

艺术史终结了吗？在上个世纪，这似乎是一个十分重要的话题。然而八十年代欧洲新绘画的重新崛起，却使艺术史重新焕发了活力。无论是德国的新表现主义，还是意大利的超前卫派，以及英国的“新精神”绘画等，这些最具国际影响力的新艺术流派，皆是从人的角度出发，从感官出发，表现人的生活、情感，从而使绘画重新建立与自我，与文化传统的联系。艺术表现与个人存在及生命体验密切相关。

在中国，从陶瓷材料出发，回到绘画，回到人的体验与感知，回到当下，回到都市生活，胡小军显然是这个时代走在前列的人，并至今鲜有追随者。从这个角度而言，胡小军是孤独者。然而，一个超越时代的艺术家显然是孤独的，这种孤独在于他与所有的潮流无关，在于他以自己方式努力前行。然而，这种超越时代的独自前行是建立在强大的自信与能力的基础上——无论是对生活的发现与捕捉，还是回到童真，回到未被世俗污染的状态，皆是强大的能力。

从以材料的方式表现山水，建立自己的语言系统；继而回到都市生活，以绘画的方式表现当代人的状态；再到把材料的经验与绘画结合，以综合的方式，赋予陶瓷绘画以更强大的表现力，胡小军一直走在自己的路上。

如此，也就能理解胡小军绘画最重要的品质——他以童真与稚拙的表现方式，时刻透露出无所不在的幽默和欢乐。他赋予表现对象以女神的身份，让她们在光环和帽子之间切换，以人或神的方式飞翔、舞蹈或变幻。他对女性的姿态尤其感兴趣，不同的肢体语言叠加或交织，使画面充满着超现实主义的气氛，如此构成了他基于当下都市生活的独特生命体验，超越波普主义，超越一切僵化的观念与材料的表达。

一切错乱或命题的混搭——佛教、神话、山水或生活，以及一切表现方法——基于中国佛道人物故事的线描传统而来的绘画方式，或陶瓷资源的再生与转换，材料肌理釉色与绘画的对比关系及审美类型的建立，皆不过是胡小军构筑自我艺术的方式而已，同时也是胡小军独立于一切潮流，回归心灵与感官的生命存在方式。

让我们走进胡小军的世界吧！

展品欣赏

此次展出胡小军近年创作的50件作品，分为四个单元，既有以材料的方式表现山水，建立自己独特语言的缩釉作品；又有回到都市生活，表现当代人状态的瓷绘作品；以及把材料的经验与绘画结合的综合性陶瓷绘画作品，和2017年纽约归来后的新作。

海上舞乐（2009年）

2007年，我与台湾陶艺大师王修功先生在上海美术馆合作举办了陶艺双人个展。 

这次展览是我创作的分水岭，之后，我的陶艺创作主题，从“烟雨云山”，回到了“都市生活”。这一年，我开始创作都市人物《红颜》系列作品。

2008年，《红颜》系列的两件作品参加了在西安举行的第43届国际陶艺大会，并双双获得“优秀奖”。大会期间，我们去陕西富平陶艺村看西北乐舞表演。一边击鼓，一边舞蹈，洋溢着青春与激情的鼓乐姑娘，深深地吸引了我。我还去了贵州织金，那里迎接我们的也是鼓乐的舞蹈，我感受到了鼓乐作为一种民族民间文化所具有的独特魅力，于是创作了舞乐与腰鼓系列作品，以线条的方式，抓住舞者的形体动态，并与鼓点交织，传达出视觉与音乐的合奏，以及诙谐、幽默与快乐。

富春山居（2011年）

我经常去湖州长兴、富阳、桐庐等地，感受江南风景之美。这组作品体现了我的水墨情节，强调毛笔的笔性，以及空间结构的表现。

中国山水画表现的是隐逸的美感，强调人和自然的和谐。它的思想基础是魏晋时期的玄学，讲究空、无及自然的境界。

这组作品，是日出也好，日落也好，夜空也好，重要的是我对意境的捕捉。

我画的是满构图，如何在满构图中，表达“空”的意境？树在生活中随时可见，但在画中，却有了一种不可言说的意味。

我是用自己的方式，去体现元代文人画大师倪瓒、黄公望的笔墨境界。

我的工作方法，是用金属氧化物直接在泥坯上画，泥坯的吸水性很强，作画时完全看不到效果，要在上面表现自如，需要克服很多困难，才可能在高温烧制后达到自己满意的效果。

莲座观音（2011年）

这组画体现了我的基本思想：立足传统，面向现代。

宗教是传统，文化是传统，但是我想要面向现代，用宗教、文化的形态及技法来表现当代人的生活。

佛教从印度而来，佛教的图像、教义，随着传播的过程不断在改变。这几幅绘画，是我借历代佛教题材创作中的用笔用线，来表达我对社会生活的认知。

我的用笔，来自于中国传统，是唐代的、宋元时期的传统。少年时，我写过汉隶《石门颂》，临摹过敦煌莫高窟、山西永乐宫壁画等，有一点用笔的童子功。

西子行乐（2011年）

一个好的艺术家应该有一双童真的眼睛，发现生活，热爱生活。

我的工作地点在浙江大学紫金港校区，同学们骑车、打手机，是我眼前常见的景象。

再者，在我成长的年代，中国是自行车的国度，骑自行车构成了我记忆中重要的组成部分。

在今天，自行车不再仅仅是一种交通工具，也是锻炼身体的方法，是健康的生活方式，无论在纽约，还是巴黎，都是如此。

我表现自行车，不仅仅与我的记忆有关，也因为它今天在生活中依然随处可见，同时它又属于未来。

我是将自行车作为道具、作为符号来创作的，它与我们的生活关系如此密切，与我们的过去、现在和未来息息相关。

西子行吟（2011年）

此系列作品是《富春山居》与《莲舟观音》两个系列作品的组合与提升。

这三件作品表现的都是人物在山水中的状态。作为人物背景的山水是《富春山居》系列的发展，《富春山居》是平视视角，《西子行吟》则有平视，也有俯视。

其中一件作品，表现的是行走中的两个女性；另两件表现的女性人物动态则比较夸张，腾跃或舞蹈，头上的光环则暗示人物可能具有神或观音的身份。

此系列作品的水墨表现与构图方式，都很有意思，值得细细品味。

这组作品曾参加过文化部举办的展览，在我画册中也有出现过（P97），也是我个人比较喜欢的3件作品。

西子·梦寻（2011年）

艺术反映生活，这组作品不是生活的写实记录，它们是我对生活的感悟与印记。

画中人物的服饰与肢体语言，体现了现代都市发展进程中某个特定的时间节点。

这种暴露的肢体表达，在古代不可能；高脚杯在古代也是没有的；扇子提示了人物故事的东方情节；贝雷帽则象征着世界性流行文化。

我的用线体现了宋元线描传统的精华，只是表达的内容发生了很大改变。

艺术一旦超越生活，一定会比生活更美妙。

“点”是一个很好的语言符号，我很喜欢在作品中强化“点”的作用，强化“点”与“线”和“面”的关系，为形式与节奏服务，形成了我的美感类型与风格。

西子·午宴（2012年）

这是用中国线描来创作的作品，“曹衣出水，吴带当风”，说的就是传统线描的表现力。至于表现对象，性别或者什么，都不重要，我想表达的，只是一种爱与被爱，呵护与被呵护的感觉，一种基于肢体语言的表达。

我是一个绘画的坚守者，坚守造型和画面的美感，想传达给观众愉悦的信息。

作为艺术家，我是自由的，我的思想像花一样自由绽放。

西子夜宴（2012年）

这件《夜宴》，表现了舞会的某个场景，也是来自我对生活的感受。

我在创作时，使用了大量的氧化铜，烧成后，会红中泛黑，或红中泛紫，红中泛绿，熟练运用烧窑可能的变化，是基于我多年对陶瓷材料研究的经验。

在景德镇的很多地方，他们会说粉彩怎么做、古彩怎么做等等诸如此类的问题。这是一件颠覆旧模式的作品，在造型、釉料、烧成上，我喜欢用自己的方式去表达。

这件作品的形体也是我设计的，比如人物的肩部、腿部如何与器型完美结合？构图上我喜欢顶天立地，用满构图。满构图在西方绘画中常见，而中国传统绘画一般都留有天地。所以这件作品，体现了“古为今用、洋为中用”的思想，表达的是我对当代多元文化融合的思考。

我对衣纹线条的表现，对图案颜色釉料的实验，都融合在这样一个完整的结合体中，凸显了我的文化美感。我认为一名艺术家，其个人的文化美感是很重要的。

草地午宴（2012年）

我很喜欢马奈的油画《草地上的午餐》。因此，在这件作品中，我用中国传统线描的方式来表达我的感受——与马奈不一样的感受。这种表达方式来自于对敦煌石窟壁画的体会，内容则源于我对生活的感悟。

在这件作品中，女性人物的眼神与坐姿，服饰衣纹，都体现出一种惬意、优雅的休闲感。在现代都市生活中，无论北京、上海，还是巴黎、伦敦，这种状态随处可见，这是当代人具有普遍意义的都市生活状态。

我25岁就在浙江大学历史系任教，花了很多时间研究中西方艺术，同时对中国传统文化也有自己的看法。所以，我致力于从传统文化中吸收营养，将传统技法转化创新为自己的艺术语言。

以自己的艺术语言，表现当下都市生活。将古代文化与现代文化，将古人与今人，甚至与未来的人，进行无缝对接，我想以此形成自己的艺术形态，表达自我存在的感受与价值。

晴光系列（2012年）

这是江南山水，一种有历史情怀的山水。它既是我的山水表达，也体现了这些年来，我对陶瓷材料技术与艺术结合的探索。

陶瓷表面上，像烈日一样艳丽的红色——铜红料的使用，在中国历史悠久。红色是中国陶瓷常用颜色之一，无论唐代的长沙窑，还是辽金时代的磁州窑，都广泛使用铜红料。

我以氧化铜做实验已经很久了，使用很多氧化材料，用科学的方法做实验，得到各种不同的颜色。

这批作品创作时很即兴，它的背后，是科学与艺术的结合。

山口（2013年）

这个系列是我之前山水系列作品的延续，也是我对材料语言的继续探索。

心中的山水，需要适合的材料美感来表现，这种缩釉的釉珠，就是我的美感类型。

陶泥和瓷泥绞和的关系，绞胎效果与烟雨云山的关系，这些都需要我自己去控制。

作品从配泥、揉泥到拉坯、修坯，控制点线面结构、釉料发色，到最后的烧窑，全都是我亲手完成。

我希望以自己对材料的理解和运用，表现宋人山水画的意境。

海上春情（2016年）

《海上春情》系列是我延续了近10年的创作系列。

这组作品是我从巴黎回来后创作的。

在巴黎期间，我喜欢沿着印象派的足迹去看他们的作品，塞纳河边周围有太多的展览可供参观了。

我喜欢体会印象派画家在巴黎的生活，比如红磨坊。红磨坊不是一个色情场所，而是咖啡吧和酒吧。我经常去看红磨坊里最具特色的舞蹈表演，当然，这种舞蹈表演，我在国内上海等城市也看过了。

红磨坊式的舞蹈，后来演变成为我作品的一个语言符号。美女们的性感舞蹈，既是现实生活的真实存在，也是梦境的体现，还是浪漫都市的历史文化的象征。

当我创作时，我其实是忽视“性”因素的，而是体现线条与色块的美感、肢体律动的美感

海上红颜（2016年）

这组作品与《海上·梦寻》、《海上·春情》一样，都是一个大系列作品的组成部分。

虽然画的是当代人，但处理方法却是古代的，延续传统文脉，接轨当代艺术，是我很重要的一个艺术创作理念。

在中国古代，春宫画里才有裸体。在当代人文教育中，欣赏女性裸体艺术，早已不再成为问题。

这件作品，表现的是裸体女性在打手机。手机是现代工业文明的产物，打手机成为当下生活中常见的肢体动作。

观察生活、认识生活，对当代都市中人性的骚动与活力、渴望与激情，形成自己的认知——这是艺术家从自我角度出发的一种认知方式。

而同时出现的两个或多个裸体，完全是因为形式的需要，裸体的动作与形态是重复性的，就像符号与符号的重叠，给人以强烈的视觉冲击力。

海上舞宴（2016年）

作品中，青春女性舞者裙子飞扬，姿态活泼。

此系列是《海上红颜》系列作品的延伸，我将多年研究的，用以表现“山水”主题的缩釉技术，与平涂的绘画方式融合，将工艺层面的认知应用于文化审美层面中，使不同的陶瓷表现技法融合，从而使作品更具表现力。

中国古代艺术一直不太强调色彩，而多注重水墨的黑白关系。其实，色彩更能表现人的精神状态。

陶瓷颜色是技术与艺术关系的产物。2016年，我以很大的精力去研究色彩。我作品中的色彩比较鲜艳，比如绿，是春天里的嫩绿，而不是夏秋季时的那种老绿；黄也是一种娇艳的色彩；红是传统的中国红。

这三种颜色，都具有很强的挑逗性，都是很纯粹的颜色，很纯粹的色彩表现形式。我在处理颜色时，会考虑肌理的变化，这几件作品都经过多次复烧，制作时不惜成本。

这组画的线条用笔，仍然来源于宋元绘画。我吸吮着传统文化的乳汁，传承着历代相传的手艺与思想。绘画的题材虽然来自当代都市生活，但绘画本身，却充满着人文精神的积累，这种积累在与当代题材的碰撞中转化，从而以再生的方式，开出属于我的全新的艺术之花。

海上羽人（2016年）

羽人的传说，在三皇五帝之前。

《海外南经》载：“羽民国在其（南山）东南，其为人长头，身生羽。一曰在比翼鸟东南，其为人长颊。”《大荒南经》载：“有羽民之国,其民皆生毛羽。”不过，海上羽人的来源，应当是出于《海外南经》中，“王子乔上嵩山修炼成仙，双臂化为两翼。”

我作品中的羽人身着现代服饰遨游天际，代表的并不是对异类的猎奇式向往，而是对现代人无异于身处牢笼的生活现状的反思。 

海上，指的并非阳光沙滩度假风光，而是中国自民国以来不断西化、都市化、现代化的社会状态，在这种状态中，人渐渐蜕变为社会机器的零部件。作品所期望的，并非是回归到那个无法回归的旧时代，而是正视作为现代都市人的身份，并意图插上心灵的翅膀，以另一种视角回顾曾经的山林与原野。

是以，名为海上，意在天外。

 西子行乐（2016年）

作为海上系列和西子系列的延续，这组作品依然以都市生活的视角展开。艳丽的色釉大展生活之狂放，同时，作品的线条表现力让人联想起敦煌或是克孜尔或是永乐宫的壁画。

夜色朦胧，光天化日，看似是两个世界；古与今、动与静，却似乎可以合而为一；艳与俗，也不过就是一念之间。

海上舞宴

2017年，我在纽约生活了半年。

作为一名职业陶艺创作者，我玩了半生泥巴，之后返璞归真，又回到少年时代习作般的写生。我用眼睛观察美国艺术，同时用心发现当下生活。

我的眼和心，视觉和身体，始终以一种直觉的方式展开——如此似乎印证了梅洛·庞蒂的观点“画家不是用心灵，而是用身体来绘画”——我的作品所呈现的，不仅仅是眼睛所看到的世界，而是身体感知的世界。

在纽约的美术馆里，我喜欢把东西方艺术作品进行比较研究。把印象派及之后画派的画作，与中国传统画作的意象、境界，进行比较；对作品思想情感的表达方式进行比较；从作品的文化精神层面进行个案分析研究。

但最终，答案如何，似乎并不是最重要的。

海上宴乐（2017）

乐手时而亢奋，时而心事重重，目光冷落或眼神热情，没有半点骄傲。

《海上宴乐之五》表现的是第六大道上的游行人群。这些人神色平静庄重，队伍缓慢移动的步履有如梦游一般，偶然可见的娴静女人让人记忆深刻。

在游行队伍里，目不暇接的奇装异服是顶好看的景致。

南柯一梦（2017）

博物馆、艺术馆、美术馆、画廊及图书馆等等，是人们精神生活的充电站。

惠特尼美术馆吸引着全球的青年观者，他们衣履随便，在拥挤的展厅凝神观看，继而疲倦地在游步道的长椅上小憩。

春夜伊人（2017）

有闲阶层们精于打扮，身上的香水味隐隐散发，头发梳得一丝不苟，肢体动作潇洒干练，气度不凡。

山犬喜人归（2017）

画面上，是在纽约街头溜达的人与犬。

我以静观的方式发现生活，体验生活。把生活之美，贮藏在脑海里，然后用笔表现出来。

作品背后一定是艺术家的敏感、聪慧和富于灵性的认知。

我的作品的视觉感受有三个特性：一是用满构图的方式表达人物造型的完整气势；二是以人物的肢体语言来表现画面的情调和气氛；三是以线条的生动性来体现画面的张力与韵律。

画画的过程充满喜悦，因为我对生活、对人间充满了爱。

我敏锐地观察生活，创作的激情是从性灵的源泉中喷涌而出的。

我不赶潮流，也不反对潮流。我沉浸在自己的思想中，相信自己的思考。

我回到少年时代直接面对生活写生的状态，认为这种“采风”的方式，是始终不变的艺术创作的基本方式。将在生活中快速捕捉到的，用速写的方式，以灵动的线条表现出来，我想抓住的，不是街头的瞬间­——而是一种自在的气息，游荡在街头，也游荡到我的画里。我又把这种感觉，导入到我熟悉的陶瓷材料上。

瓷绘比纸绘多了釉彩，多了肌理的表达，而在相当传统的器皿造型上，注入自在如风的感觉，所呈现的瓷绘作品，不能不说，是一种奇异的综合体——造型对于绘画主题，构成了约束；但炫目的色彩、斑驳的质地，以及来自纽约的生活场景，又给画面增添了自由和不羁。

作为一名艺术家，作为一名本质天真的人，我天然地对诸多概念、陈规免疫。我以身体的在场，以天真的眼和质朴的心，回到直觉，将自己浸没在世界中。这使得我与世界的连结更近，由此，离世界的本真，也可能更近。

这些作品，表达了胡小军基于当下都市生活的独特生命体验，尤其是他的陶瓷绘画，以童真与稚拙的表现方式，时刻透露出无所不在的幽默和欢乐，画面充满着超现实主义的气氛，超越一切僵化的观念与材料的表达，具有非常鲜明的个人风格，其中既有具古意的笔墨——“吴带当风”“曹衣出水”的线条，流畅地演绎着人物的肢体姿态和心情，画出当今都市男女的情怀；也有用反复试验的泥料、釉色配方，探索作品从立体到平面的各种构成方式，从而使创作重新建立与自我、与文化传统的联系，呈现出在古今一体、中西互通中又凸显自我的独特样貌。

在当代多元的语境下，中国现代陶艺如何在传统与现代、自我与大众、东方与西方、中心与边缘等复杂的二元对立与互融互渗中不断发展，两位艺术家通过作品带来了他们自己的思考，这一场艺术和思想的交流展，值得爱好陶瓷及艺术的朋友们一起来体验和参与。

此次展览由康师傅控股、上海金球名豪房地产有限公司、W SQUARE、陶艺后援会共同主办，浙江大学艺术学院、东华大学艺术设计学院、宏碁股份有限公司、麦可将文创园协办，展览将持续到7月21日，期间还将举行中国陶瓷史、现当代陶瓷艺术市场、艺术品投资等讲座以及亲子陶艺等多场艺术普及活动。